James Turrell e l’utilizzo della luce

Il lavoro di Turrell non riguarda meramente la luce, è la luce stessa. Le sue luci trascendono i confini del fisico e, insieme al colore, vengono vissute come materia fisica in ambienti onirici, dando vita a forme che sembrano possedere massa propria.

“I’m interested that light has thingness itself, so it’s not something that reveals something about other things you’re looking at, but it becomes a revelation in itself”.

James Turrell fa leva sulla percezione della luce da parte dello spettatore. Il ruolo della luce sta nell’essere una presenza fisica e metaforica che determina la percezione umana e, di conseguenza, l’esperienza del mondo.

“I like to use light as a material, but my medium is actually perception. I want you to sense yourself sensing – to see yourself seeing”.

“My work has no object no image and no focus. With no object no image and no focus, what are you looking at? You are looking at you looking”.

Le illusioni ottiche e l’incertezza percettiva sono caratteristiche ricorrenti del suo lavoro, che si ritrova nelle serie Skyspace, Projection Pieces e Ganzfelds. In questi ambienti sospesi si sperimenta una totale perdita di profondità, avvertendo una tensione cosmica e facendosi parte di un’osservazione metafisica. Al giorno d’oggi Il progetto più imponente dell’artista rimane il Roden Crater, un’opera incompiuta iniziata nel 1977 all’interno di un vulcano inattivo in Arizona che vede come fine ultimo la sua trasformazione in un immenso osservatorio.

di Nastasia Tecci

Credits:  Immagini da medium.com (@kendallgenner), www.wikiart.org, 
www.itsliquid.com (Florian Holzherr). © James Turrell

Johan Deckmann

Johan Deckmann, artista e psicoterapeuta praticante e cresciuto in un negozio di antiquariato a Copenhagen dove si innamora degli antichi volumi che ispireranno le sue creazioni.

La sua espressione artistica racchiude tre elementi: copertine di libri vuote, il carattere utilizzato ispirato a un vecchio poster appeso in casa e osservazioni sul comportamento umano, comprovando l’impatto della psicologia nel suo lavoro artistico.

Deckmann riesce a raggiungere un pubblico ampio e vario traendo vantaggio dalla facilità di immedesimazione di chi legge, incorporando paure e affanni universalmente condivisibili mascherati dall’umorismo.

CB Hoyo

Cb Hoyo, l’artista cubano con un passato da chef, con ironia e colore mette in dubbio l’autenticità e il valore economico dei principi dell’arte.

Una scatola di pastelli acquistata a Miami e un suo vecchio disegno d’infanzia conservato da sua nonna in Repubblica Dominicana, hanno dato vita alla sua celebre serie Corny Quotes cominciata nell’agosto del 2019.

La sua calligrafia considerata irrecuperabile dai suoi insegnati, è diventata parte fondamentale del suo stile e del suo successo che ricorda come una lezione per abbracciare le ironie della vita. Questa serie incoraggia ogni spettatore a concentrarsi sul linguaggio. Gli si chiede non solo di osservare, ma anche di leggere, attingendo a un livello più profondo di gioco.

Pietro Terzini

Pietro Terzini è un creativo contemporaneo italiano che è riuscito a coinvolgere un pubblico giovane, atipico per il mondo dell’arte, grazie al suo linguaggio affine a quello di chi lo segue. La sua espressione nasce dal riutilizzo di sacchetti e scatole di brand trovate in ufficio, impiegando grafica e concetto per provocare e interagire con irriverenza.

Questi diventano quindi pezzi unici che non possono essere copiati, riuscendo a conciliare uno stile che ha risonanza sui social media rendendolo al contempo qualcosa di tangibile.

Con la sua arte fotografa le rivoluzioni del nostro tempo, come quella dei social che non solo ha cambiato il modo di acquistare prodotti, ma anche quello di relazionarci come esseri umani.

L’arte cattura la società contemporanea e ne forgia un racconto “insieme al tempo”. L’utilizzo di piattaforme digitali permette a chi crea e comunica sintesi estetica e immediatezza narrativa. In un mondo condiviso, l’osservatore viene mosso dall’artista capace di trasmettere universalità in una società diseguale.

di Nastasia Tecci

Credits:  Immagini da https://www.johandeckmann.com, https://www.cbhoyoart.com, https://www.collater.al

Cogli l’occasione unica di contemplare l’ampia retrospettiva dedicata a Mark Rothko alla Fondation Louis Vuitton di Parigi fino al 2 aprile 2024.

“Un quadro non è l’immagine di un’esperienza, è l’esperienza stessa.” ― 
Mark Rothko

Mark Rothko (Markus Rothkowitz, 1903 – 1970) è stato uno dei principali esponenti dell’espressionismo astratto, insieme ad artisti come Jackson Pollock, Franz Kline, Wllem de Kooning e Cy Twombly. Nato in una famiglia ebraica in Lettonia, presto si trasferì negli Stati Uniti dove raggiunse la sua massima notorietà dagli anni ‘50 con i suoi Color Field Paintings caratterizzati da variazioni cromatiche di due fino a quattro aree rettangolari su fondo monocromo.

L’Arte di Rothko

L’idea fondamentale dell’artista era quella di coinvolgere emotivamente l’osservatore al punto da far percepire la stessa esperienza provata nel dipingere l’opera. A tale proposito, Rothko afferma: “Non sono un astrattista… Non mi interessano le relazioni tra colori, forme o altro. Mi interessa solo esprimere le emozioni umane basilari: la tragedia, l’estasi, la sventura e così via. […] Le persone che piangono davanti ai miei quadri stanno vivendo la stessa esperienza mistica che ho vissuto io quando li ho dipinti. E se lei, come dice, è mosso solo dal rapporto dei colori, allora non coglie il punto”. Questo stato di intima contemplazione trascendentale è favorito dal peculiare formato delle sue tele: “Dipingo grandi quadri perché voglio creare uno stato di intimità. Un quadro grande è un atto immediato: ti prende dentro di sé”.

Gli innumerevoli successi professionali non hanno precluso alle opere dell’artista di trasmettere quell’inquietudine e quel senso tragico del dramma umano dell’esistenza che lo accompagnarono fino all’ultimo sospiro quando morì suicida nel suo studio di New York. Nei primi anni 2000 venne incluso tra gli artisti più quotati del mondo annoverando uno dei dieci quadri più pagati nella storia, No.6 (Violet, Green and Red), acquistato per 186 milioni di dollari da Dmitry Rybolovlev, l’imprenditore russo a sua volta proprietario del Salvator Mundi.

di Nastasia Tecci

Credits: All images from @dailyrothko. Mark Rothko © 1998 by Kate Rothko Prizel and Christopher Rothko