Archeologie della Modernità: Il Sacro nel Cemento

Il palcoscenico di questa rivoluzione è impresso nel paesaggio urbano di Pechino e Shanghai, dove le spoglie del passato industriale sono state consacrate a nuovi templi della creatività. Qui, la rigenerazione non è un mero esercizio architettonico, ma una liturgia della memoria. Si pensi al Long Museum West Bund di Shanghai: qui l’architetto Liu Yichun ha integrato una vecchia struttura per lo scarico del carbone in una serie di poderose volte a “ombrello” in cemento armato, creando uno spazio dove la brutalità industriale accoglie capolavori millenari.

Non è da meno il Distretto 798 di Pechino, dove le fabbriche di elettronica di epoca maoista ospitano oggi lo UCCA Center for Contemporary Art. L’esempio più fulgido di questa nuova monumentalità è forse il Tank Shanghai: cinque serbatoi di petrolio dismessi, trasformati in un hub culturale fluido. In queste cattedrali laiche, il lusso si spoglia dell’ostentazione per farsi curatela intellettuale, di matrice cinese e internazionale. La Cina non si limita a ospitare il bello, ma lo interroga, costruendo una dimora per la propria identità ritrovata.

Il Filo della Tradizione: La Materia come Pensiero

Tuttavia, esiste un filo sottile che lega la scala monumentale di queste metropoli alla precisione silenziosa del singolo oggetto. È scendendo di scala, seguendo questa trama fino alle mani dei nuovi designer, che la trasformazione rivela la sua natura più radicale. La materia torna protagonista: giada levigata, lacca stratificata, legno zitan scavato con gesti antichi. Pionieri come il marchio SHANG XIA, nato dal dialogo con Hermès ma profondamente radicato nel sapere locale cinese, hanno aperto la strada a una grammatica che attraversa arredo e moda, riscrivendo il lusso come gesto misurato.

In questo scenario, il lusso contemporaneo si definisce per contrasto: mentre la tecnologia accelera e smaterializza, la materia resiste e radica. È un’estetica intima che trova espressione in nomi come Eleonora Wu, Vicky Raindrop o Luxarti Fine Jewelry, che lavorano la giada come linguaggio vivo, incastonandola nel legno o scolpendola in forme essenziali. È il segno di una filosofia più ampia, quella del “New Chinese Style” (新中式, nuovo stile cinese), che non replica simboli sterili, ma rielabora un principio cardine: l’armonia tra uomo e natura tradotta in design funzionale.

Così, il lessico della materia diventa metodo progettuale, capace di attraversare il presente senza disperdere densità culturale. Comprendere questa Cina, dove la monumentalità del cemento dialoga con la fragilità preziosa della giada, significa intuire la direzione futura del collezionismo e, forse, della concezione stessa di bellezza universale.

C’è un modo di fare architettura che si sottrae alla retorica dello stile e alla seduzione della firma. È un approccio più quieto, forse più difficile da raccontare, ma capace di lasciare un segno preciso nel modo in cui le persone abitano e percepiscono i luoghi. Studioutte, il progetto fondato da Guglielmo Giagnotti e Patrizio Gola, si muove esattamente in questo territorio: quello in cui il progetto diventa dialogo, e lo spazio si costruisce a partire dall’ascolto.

Studioutte: un nome, una posizione

Il nome stesso del loro studio è una dichiarazione di metodo. “Utte” rimanda a una dimensione collettiva, a qualcosa che si fa insieme, che si condivide. Non un manifesto gridato, ma una postura intellettuale coerente che attraversa ogni scala del lavoro, dall’interior design alle installazioni, dalla ricerca visiva alla committenza residenziale. Giagnotti e Gola hanno costruito nel tempo una pratica che rifiuta le gerarchie tradizionali tra arte, design e architettura, preferendo abitare le zone di confine tra queste discipline con curiosità e rigore.

Per Studioutte, progettare uno spazio significa prima di tutto interrogarsi su chi lo abiterà, su quali relazioni vi si svolgeranno, su quale atmosfera servirà a nutrire quelle relazioni. È una visione che richiama certe esperienze della scuola italiana del secondo Novecento, quando studi come BBPR o Magistretti intendevano il progetto come atto culturale capace di trasformare la quotidianità. La differenza, oggi, sta nella velocità del contesto e nella molteplicità dei riferimenti disponibili: Giagnotti e Gola navigano questo paesaggio saturo con selettività, cercando essenzialità senza cadere nel minimalismo come formula.

Nei lavori di Studioutte emerge una sensibilità particolare verso i materiali poveri resi preziosi dalla lavorazione, verso la luce usata come elemento architettonico vero e proprio, verso il tempo inteso come variabile di progetto. Gli spazi che disegnano sembrano fatti per invecchiare bene, per accumulare tracce senza perdere coerenza. C’è in questo una responsabilità etica che si traduce in scelte estetiche precise: niente che sia gratuito, niente che serva solo a stupire nell’istante della fotografia.

Una generazione che ridefinisce la pratica

Giagnotti e Gola appartengono a una generazione di progettisti italiani che ha dovuto reinventare il mestiere in un momento di profonda trasformazione del settore. La crisi del 2008, la digitalizzazione, la globalizzazione dei gusti e dei mercati hanno costretto molti studi a ripensare la propria identità. Studioutte ha risposto con una coerenza di visione che non si è lasciata travolgere dalle mode, scegliendo invece di approfondire una ricerca che ha radici solide nella cultura del progetto italiana, pur guardando con apertura a esperienze internazionali.

Il loro lavoro invita a rallentare lo sguardo, a sostare in uno spazio fino a capirne la logica interna. È un’architettura che non urla, ma che sa aspettare. E che, proprio per questo, ha qualcosa di importante da dire.

]]> https://www.parmesse.it/2026/02/18/studioutte-architettura/feed/ 0 3988 https://www.parmesse.it/2025/01/17/tommaso-spinzi-rinnova-villa-antonelli/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=tommaso-spinzi-rinnova-villa-antonelli https://www.parmesse.it/2025/01/17/tommaso-spinzi-rinnova-villa-antonelli/#respond Fri, 17 Jan 2025 11:26:50 +0000 https://www.parmesse.it/?p=3306 Tommaso Spinzi, interior designer di successo basato a Milano, parte sempre dallo spazio: come ha dichiarato in una recente intervista, il punto di partenza dei suoi progetti è la connessione emotiva con i luoghi in cui e su cui lavorare, con l’obiettivo di “sentirli”.

Questo approccio, privo della presunzione di stravolgere ciò che già esiste e capace di incanalare l’esplosività dell’energia artistica nell’atto dell’ispirazione, è più che evidente nel rinnovo di Villa Antonelli, un gioiello ereditato dal movimento razionalista degli anni ’20 del ‘900.

Tommaso Spinzi e il suo legame con il Lago di Como

La villa, affacciata sul Lago di Como, era stata originariamente donata da una famiglia benestante a un medico, affinché vivesse vicino alla loro residenza. Simmetrica, priva di sfizi, incarna il puro funzionalismo estetico proprio della corrente architettonica razionalista legata agli anni del fascismo in Italia. Spinzi, legato all’area circostante a Como fin dalla sua infanzia, ha ripensato questo spazio come un luogo di fuga dalla frenesia Milanese e di fusione artistica tra varie correnti, rispettando religiosamente la suddivisione degli spazi.

Casa Antonelli, il legame con il Territorio e il Design

Il riflesso delll’acqua accentua la luce naturale che illumina il salotto, in cui il tavolino da caffè disegnato da Willy Rizzo combina la funzionalità razionalista con la raffinatezza di un design accuratamente selezionato: la connessione tra la casa e il lago è indissolubile.

Il tema dell’azzuro dell’acqua ritorna anche nella Stanza da Letto Blu, mentre in cucina spiccano le sedie Medea di Vittorio Nobili, icone del design italiano degli anni ’50, caratterizzate da una scocca in legno curvato con un’estetica elegante e minimalista. Il tavolo è invece disegnato da Spinzi stesso, che ama affiancare le proprie opere a quelle di collaboratori, amici e colleghi, in una culla d’arte mai statica, ma fluida, dove il contrasto tra il noto e la sperimentazione prende vita.

L’incontro tra design tradizionale e innovazione come quello tra equilibrio e caos

L’idea di casa concepita da Spinzi rispecchia quella descritta da Jordan B. Peterson in 12 Rules for Life: An Antidote to Chaos. Peterson sostiene l’esistenza di un punto ideale tra caos e ordine da abitare con la mente: quando sappiamo di avere una casa in cui tornare, un luogo che ci protegge nel comfort del familiare, possiamo esplorare l’ignoto senza paura. Spinzi sembra aver tradotto questo concetto in Villa Antonelli, rispettandone lo stile e il carattere originale, ma concedendosi di sperimentare continuamente al suo interno, introducendo nuovi elementi e ospitando figure emergenti per stimolare il dialogo, senza mai tradirne l’essenza.

Una Dimora Storica di Fascino e Raffinatezza

Costruita nel XVII secolo per la nobile famiglia Durazzo, Villa Durazzo è un esempio raffinato di architettura barocca. Nel corso dei secoli, è stata una residenza di villeggiatura e un punto di incontro per intellettuali, artisti e nobiltà. Le sale interne, decorate con affreschi, stucchi e arredi d’epoca, raccontano storie di fasti e splendori del passato. Tra gli ospiti illustri che hanno soggiornato qui, spicca la regina Margherita di Savoia.

Il Giardino di Villa Durazzo: Un Paradiso Verde sul Mare

Il giardino di Villa Durazzo è una delle sue attrazioni più affascinanti. Esteso per oltre tre ettari, offre una vista mozzafiato sul Golfo del Tigullio. Progettato secondo il gusto rinascimentale, il giardino è un susseguirsi di terrazze panoramiche, vialetti ombreggiati, fontane zampillanti e statue classiche tra siepi curate e fiori profumati.

Una delle particolarità più interessanti del giardino è la sua collezione di piante esotiche, importate nei secoli da viaggiatori e mercanti. Tra palme, agrumi e camelie, si trovano piante rare e pregiate, che creano un’atmosfera suggestiva e unica. Il giardino all’italiana si fonde armoniosamente con la vegetazione mediterranea, offrendo uno spettacolo di colori e profumi che mutano con le stagioni.

Tra i tesori botanici del parco, spicca una maestosa Ginkgo biloba, uno degli alberi più antichi al mondo, che in autunno si tinge di un brillante color oro. Non meno affascinante è il roseto, dove ogni primavera sbocciano centinaia di rose in un tripudio di colori e fragranze che incanta i visitatori.

Un Patrimonio di Arte e Cultura

Oltre alla sua straordinaria bellezza naturale, Villa Durazzo ospita anche una collezione d’arte che merita di essere scoperta. Le opere, che spaziano dal XVII al XIX secolo, includono dipinti, sculture e arazzi di grande valore, molti dei quali appartenenti alla famiglia Durazzo. Tra gli artisti rappresentati vi sono Giovanni Andrea De Ferrari e Domenico Piola, maestri della scuola genovese.

Visitare Villa Durazzo è come fare un viaggio nel tempo, un’immersione in un mondo di bellezza e raffinatezza che lascia un segno indelebile. Non è solo una meta turistica, ma un vero e proprio rifugio dell’anima, un angolo di paradiso dove la storia si intreccia con la natura, creando un’esperienza che non potrete mai dimenticare.

Il Louisiana Museum of Modern Art

Conosciuto per la sua straordinaria collezione di arte moderna e contemporanea. Immerso in un paesaggio naturale mozzafiato, il Louisiana rappresenta una perfetta fusione tra arte e natura, attirando appassionati d’arte da tutto il mondo.
Il Louisiana Museum of Modern Art, fondato da Knud W. Jensen, inizialmente si concentrava sull’arte danese moderna, ma presto si espanse per includere opere di fama internazionale. Questo cambiamento permise al museo di diventare un punto di riferimento globale nella scena artistica, attirando mostre e artisti di altissimo livello.
Jensen desiderava che l’arte fosse accessibile a tutti, non solo a un’élite, creando un museo dove le opere comunicassero direttamente con i visitatori in modo autentico e non pretenzioso.

Tra le varie esposizioni attualmente in corso al Louisiana Museum, ecco quelle che ci hanno colpito maggiormente.

CHAÏM SOUTINE

Il Louisiana inaugurato la prima esposizione mai realizzata in Europa del Nord dedicata a Chaïm Soutine, uno dei più eminenti e singolari espressionisti della Scuola di Parigi.

Soutine (1893-1943) emerge come figura cardine del modernismo classico, con un linguaggio visivo vibrante, inquietante e struggente, che afferra magistralmente l’epoca tra le due guerre mondiali. La sua influenza si estende anche all’espressionismo astratto, influenzando numerosi artisti del XX secolo.

La mostra presenta circa 70 opere d’arte, gentilmente concesse da musei e collezionisti privati in Europa, Israele e Stati Uniti, offrendo un quadro completo della sua produzione pittorica. Tra i capolavori esposti troviamo ritratti commoventi di individui emarginati, paesaggi incantevolmente cangianti e vivaci, e nature morte enigmatiche e spesso sconcertanti, popolate da animali sacrificati.

BOURGEOIS X GIACOMETTI

Nella Northern Wing del Louisiana Museum, si assiste a un incontro straordinario tra le opere di Alberto Giacometti e Louise Bourgeois. L’iconica “Walking Man” di Giacometti temporaneamente lascia spazio ai monumentali ragni di Bourgeois.

Questo eccezionale incontro rappresenta il culmine tra due giganti dell’arte del XX secolo, entrambi profondamente interessati alla rappresentazione del corpo umano e della psiche.

Oltre alle sculture, sono esposti lavori su carta che mettono in luce le diverse interpretazioni del corpo umano da parte dei due artisti: Giacometti ritrae i corpi nello spazio circostante, mentre Bourgeois semplifica e rende misteriose le parti anatomiche.

di Rebecca Gelichi

Credits:  Images courtesy of Wikipedia,  Louisiana Museum of Modern Art.

Chiaroscuro, la mostra a Dubai curata da Lamy

La mostra è divisa in sezioni che evocano oscurità e luce, profondità ed ampiezza, attraverso un dialogo fluido e reciproco delle opere e dei materiali, riprendendo sia il concetto di “tragitto” dal giorno alla notte, sia  elaborando il tema del “navigare” tra i due lati del nostro mondo, afferma la Lamy, “ Lotto per affrontare i tempi bui che stiamo attraversando, e lo faccio attraverso le opere, interpretando la mia visione tra luce ed oscurità, immaginando tempi migliori”.

Tale rievocazione, avviene attraverso il contrasto. Nel lato “Darkness” siamo dinanzi a lavori di tipo massiccio, statuario, minaccioso, ridefinendo la materialità attraverso la pietra, il bronzo o il marmo. Sono inclusi all’interno di questa fascia, i lavori di gusto industriale dell’Atelier Van Lieshout, le maschere africane di Kendell Geers ed opere dello stesso collega e compagno della Lamy, Rick Owens.

Nel lato “Light” osserviamo il potere della luce nel plasmare le opere stesse, attraverso il vetro, il cotone o il metallo, esempio di ciò  sono i lavori dei Verhoeven Twins, che invitano lo spettatore ad esplorare la luce e la forma delle loro sculture fluttuanti.

L’essenzialità nel ruolo della luce viene rappresentata anche attraverso le opere di Nacho Carbonell tramite le sue installazioni luminose, Omar Al Gurg con la sua scultura in legno “Spike” e Vincenzo de Cotiis, reinterpretando archi rinascimentali.

Le opere riprendono, nel loro complesso,  l’idea di “cooperazione” tra luce ed ombra, percependo l’essenza l’uno dell’altro, i  giochi di profondità e le mutazioni tra tempo e spazio, vengono catturati anche attraverso lo scorrere del giorno e della notte della città stessa.

La stessa cooperazione viene sollecitata anche dalla lista dei partecipanti alla mostra, con un mix internazionale e regionale che propone un dialogo aperto sia tra gli artisti locali sia tra gli stessi spettatori, mettendo a disposizione lavori di facile comprensione. Importante, afferma Malak Abu Qaoud, curatore della mostra, “mostrare arte accessibile che possa essere capita indipendentemente dal background”.

di Maria Izabella Miron

Credits:  Images courtesy of carpentersworkshopgallery.com.

Sono ambienti minimi e spartani che concentrano in pochi metri quadrati la principale funzione di pernottamento. Date le modeste dimensioni non è presente un vero e proprio locale cucina, data anche la lontananza dalla città non è presente alcun collegamento alla rete idrica o elettrica.

Le caratteristiche dei bivacchi

Non tutti sostengono l’architettura montana poiché c’è chi pensa che possa provocare danni suscitando da anni discussioni per determinare le scelte progettuali. È necessario quindi parlare di reversibilità: optare per strutture rimovibili in qualsiasi momento così da poter ridare purezza al paesaggio.

Ovviamente oltre a questo è anche importante concentrarsi su un’accurata scelta dei materiali, al fine di recare meno danni possibili al territorio. È consigliato usare materiali riciclabili o riutilizzabili per progetti successivi la cui produzione non incida sulle emissioni di CO2. A livello progettuale non ci sono precise norme da seguire, il tutto ruota intorno al contesto montano e il clima di questo. Il clima rigido predilige le costruzioni con materiali leggeri, prefabbricati ed assemblati a secco. Tenendo sempre conto che il bivacco è una struttura provvisoria, quindi devi essere facilmente rimovibile e che le condizioni del terreno non siano ottimali data la pendenza e la tipologia che può variare. Conviene utilizzare fondazioni puntuali regolabili e sollevare la struttura dal terreno per proteggere il solaio.

Per quanto riguarda l’involucro si necessita alta resistenza termica (ovvero la capacità del materiale di opporsi al flusso di calore) ma bassa capacità termica (quantità di calore che deve ricevere ciascun materiale ). Per far aumentare la temperatura all’interno dei locali è fondamentale trovare sistemi che facciano entrare il sole: ad esempio optare per grandi finestre sulla facciata a sud, dove il sole è più presente durante l’anno.

Un ulteriore problematica nei bivacchi è l’ingresso di aria pulita e l’uscita di aria viziata senza generare sbalzi di temperatura o infiltrazioni esterne. A questo proposito è essenziale che durante la progettazione si introducano anche condotte d’aria che controllino i movimenti dell’aria.

A fini manutentivi, nei bivacchi è preferibile una composizione modulare, sistemi prefabbricati e assemblaggio a secco. I materiali dovrebbero essere durevoli ed è utile prevedere che abbiano la stessa durata nel tempo, così da facilitare la caduta a terra di accumuli o materiale organico. Inoltre conviene progettare una forma aereodinamica della copertura per fronteggiare il forte vento. Un fattore da non sottovalutare per la costruzione di un bivacco è il trasporto per costruirlo. Spesso le condizioni climatiche o la precarietà del sito generano alcuni ostacoli che non permettono la costruzione diretta sul sito, per questo vengono costruiti per la maggioranza in bassa quota per poi essere trasportati in cima alle vette. Ad oggi il mezzo prevalentemente utilizzato per il movimento in quota del bivacco è l’elicottero.

In conclusione, che si tratti di una notte sotto le stelle o di una tappa durante un lungo trekking, i bivacchi rappresentano non solo un’opportunità per gli amanti dell’avventura di immergersi nella natura e godere di momenti di tranquillità lontano dalla frenesia della vita quotidiana, ma anche un’espressione di rispetto e responsabilità verso l’ambiente circostante.

Esempi di buona architettura ad alta quota: i Fratelli Fanton

Il rifugio dei Fratelli Fanton si trova situato presso la Forcella Marmarole, ad un’altitudine di 2600 metri. Questa struttura è stata ideata dallo Studio Demogo di Treviso. La base del rifugio è sostenuta da tre plinti di cemento armato, che sono stati rinforzati con micropali per garantire la stabilità. La parte principale della costruzione è realizzata in fibra di carbonio ed è stata trasportata tramite elicottero. Questo modulo è stato quindi posizionato sulle basi preparate nell’anno precedente. Dopo aver fissato saldamente la struttura alle fondamenta, sono stati ultimati i lavori esterni utilizzando materiale isolante XPS. Il rifugio si estende su una superficie di 27 metri quadrati e può ospitare fino a 12 persone, offrendo anche un angolo cottura e vari spazi di stivaggio.

Il rifugio nasce in un laboratorio di architettura presso la Harvard Graduate School of Design: tredici studenti si sono sfidati in una gara di progettazione di un rifugio di montagna innovativo e pratico, hanno presentato dodici proposte che tenessero conto delle varie caratteristiche del sito e della varia disponibilità di materiali tecnologici. Il progetto è costituito da tre moduli: il primo comprende l’ingresso, un ripostiglio e una piccola cucina, il secondo offre una zona in cui socializzare e dormire, il terzo è adibito alla zona notte con cuccette di minime dimensioni per dormire. Il bivacco è stato pensato per facilitare il processo di installazione in loco e per il trasporto a pezzi.

Le pareti sono costruite da un pannello progettato per assicurare alti livelli di comfort, anche in strutture non riscaldate ed esposte a condizioni estreme esternamente. Viene utilizzato un materiale estremamente leggero, non assorbe umidità, e offre resistenza alla condensa e ai ponti termici, oltre ad essere facile da installare. La lana di roccia presente all’interno assicura comfort termico ottimale e funziona anche da barriera antincendio. Nelle due pareti trasversali il bivacco ha una vetrata che ricopre tutta la facciata e permette di godere di una vista strepitosa sulle Alpi. I vetri dei serramenti sono a tripla camera e progettati per resistere alle forti raffiche di vento e neve.

Se ti è piaciuto questo articolo e ti interesserebbe approfondire maggiormente il tema dell’architettura montana ti consigliamo un libro che, oltre ad aver ispirato la stesura di ciò che hai letto, ti aprirà maggiormente gli occhi su come vengono costruiti i bivacchi e le loro peculiarità: “Il bivacco di montagna come sistema aperto” di Elisa Cipriani.

di Angelica Simoncini

Credits:  Immagini di www.wikipedia.org, www.dolomwood.com, demengo.it

Bibliography:  Il bivacco di montagna come sistema aperto, Elisa Cipriani

Le strutture progettate da Zaha Hadid

Heydar Aliyev Center, Baku, Azerbaijan

Aperto al pubblico dal 2012, questo centro culturale e congressuale è senza dubbio uno dei capolavori di Zaha Hadid. La sua forma sinuosa e senza spigoli riflette il movimento fluido della cultura e della storia dell’Azerbaijan.

L’edificio è caratterizzato da un’unica superficie continua che si arrotola e si piega, creando uno spazio interno senza interruzioni e sorprendentemente aperto. La luce naturale filtra attraverso ampie aperture, illuminando gli spazi interni in modo dinamico. La struttura stessa sembra sfidare la gravità, con linee che si ergono e si inclinano in modi sorprendenti, creando un’esperienza architettonica avvincente e unica.

MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma, Italia

Il MAXXI è un’opera architettonica audace e innovativa che si inserisce perfettamente nel contesto urbano di Roma. Inaugurato nel 2010, a struttura è composta da una serie di volumi interconnessi, sovrapposti e inclinati, che creano un labirinto di spazi espositivi dinamici e accattivanti.

La luce naturale gioca un ruolo fondamentale all’interno del museo, filtrando attraverso aperture strategicamente posizionate e illuminando gli spazi interni in modo suggestivo. La flessibilità degli spazi espositivi consente una varietà di configurazioni per ospitare mostre di diversi tipi e dimensioni, rendendo il MAXXI un luogo vibrante e dinamico per l’arte contemporanea.

Il Museo ospita una collezione permanente d’arte con artisti contemporanei di fama internazionale, del calibro di Maurizio Cattelan, Luigi Ghirri, Anish Kapoor, e tanti altri. Organizza inoltre il Premio MAXXI, che viene conferito ad artisti contemporanei emergenti. Le opere vincitrici verranno acquisite dal Museo ed esposte nella propria collezione permanente.

Centro Aquatico Olimpico, Londra, Regno Unito

Questo complesso sportivo è stato creato in occasione delle Olimpiadi del 2012 ed è uno dei simboli architettonici più riconoscibili di Londra. La sua forma fluida e dinamica evoca il movimento dell’acqua, creando un’atmosfera unica e coinvolgente. L’edificio si compone di una serie di volumi interconnessi che si sovrappongono e si curvano, creando spazi interni sorprendentemente aperti e luminosi. La sua struttura trasparente permette alla luce naturale di filtrare all’interno, mentre la sua estetica iconica lo rende un punto di riferimento nel paesaggio urbano di Londra.

Dongdaemun Design Plaza, Seul, Corea del Sud

Situato nel centro di Seul, questo complesso multifunzionale è una celebrazione dell’innovazione e della creatività. Le sue forme futuristiche e avveniristiche si ergono come una scultura urbana, invitando i visitatori a esplorare e scoprire.

All’interno, gli spazi si aprono e si chiudono in modo dinamico, creando un’esperienza architettonica sorprendente e coinvolgente. La Dongdaemun Design Plaza è diventata rapidamente un’icona a Seul, simboleggiando il dinamismo e la modernità della città.

Guangzhou Opera House, Guangzhou, Cina

Situata sulla riva del fiume Pearl, la Guangzhou Opera House è un’imponente struttura che si staglia nella skyline della città. Le sue forme scultoree e organiche si fondono armoniosamente con l’ambiente circostante, creando un’opera d’arte architettonica iconica.

La sua facciata vetrata riflette il cielo e l’acqua circostante, mentre l’interno è caratterizzato da spazi fluidi e sinuosi che si aprono e si chiudono in modo dinamico. L’acustica impeccabile e le tecnologie all’avanguardia rendono la Guangzhou Opera House non solo un luogo per spettacoli di classe mondiale, ma anche un’icona culturale e architettonica che celebra l’arte e la creatività.

di Redazione

Credits:  Immagini da commons.wikimedia.org

Copertina: Di Dmitry Ternovoy
Foto 1: Di BRENAC – Opera propria
Foto 2: Di Marco Rosanova – by the Archive Team
Foto 3: Di Aquatics Centre by Oast House Archive
Foto 4: Di Eugene Limcurid=46777370
Foto 5: Di Xiquinhosilva

L’edificio sbalordì la comunità internazionale tanto da diventare un esempio da imitare. Sulla scorta di essa, nascerà una corrente, il Brutalismo, termine che fa riferimento al fatto che il cemento NON fosse trattato bensì “bruto”( “béton brut” in francese).

Il Brutalismo di Le Corbusier

Il brutalismo o new brutalism è una corrente sviluppatasi all’interno del movimento moderno ma in dissenso con ciò che eredita nel dopoguerra. I suoi esponenti furono un gruppo di giovani architetti che trovarono inadeguato l’apparato teorico e normativo elaborato dal movimento moderno nel momento in cui ci si confronta con la realtà e in cui si deve affrontare la ricostruzione di alcune parti della città che erano state rase al suolo durante la guerra.

Questi giovani iniziarono ad esternare i loro pensieri in occasione del IX CIAM (congresso internazionale di architettura moderna) che si tenne ad Aix-en Provence nel 1952 (stesso anno in cui le Corbusier inaugurò la sua Unitè d’Habitation a Marsiglia).

Quattro anni dopo, nel 1946, la nuova generazione di architetti organizzò il decimo ed ultimo CIAM, nel quale misero alla prova le teorie costruttive elaborate dal movimento moderno prima della guerra. Necessario nella realizzazione di nuove strutture fu il concetto di “memoria” che porta a creare un dialogo emotivo tra la vecchia città e quella nuova, si ragiona in termini di associazione umana tra persone piuttosto che di “organizzazione funzionale” degli spazi. Il Brutalismo ha un approccio centrato sull’uomo, sulla sua crisi e sul suo prendere posto nel mondo; per questo si guarda alla vita operaia, a quella dei bassifondi degradati, alle sculture di Paolozzi, alle opere di Pollok e alle poetiche esistenzialiste come quelle di Sartre.

I massimi esponenti di tale corrente furono Alison e Peter Smithson, i quali ebbero un approccio sociologico nei confronti dell’architettura piuttosto che teorico.

Il Brutalismo e i Coniugi Smithson

Le loro idee vennero espresse nel testo “Struttura urbana” pubblicato nel 1957, introdotto da una serie di fotografie realizzate da Nigel Henderson il quale ricerca ed esalta una nuova estetica fatta di transitorietà, primitivismo e di “errori”. Queste foto, infatti, furono considerate “sbagliate”, rispetto ai canoni tradizionali poiché storte, sovraesposte e con inquadrature irregolari. Le foto colgono una serie di bambini intenti a giocare lungo le strade: atte a mostrare la vitalità dell’ambiente collettivo in luoghi degradati che dovrebbero essere di esempio per la progettazione di nuovi quartieri.

I due coniugi ritenevano che il Brutalismo traesse, in una società di produzione di massa, una rozza poesia dalle forze potenti. Dunque non qualcosa di distaccato dalla realtà, perfetto ma che non si rispecchia in essa; bensì qualcosa che parta dalla realtà conservandone la rozzezza.

I due introducono per la prima volta in architettura il termine “cluster” inteso come raggruppamento di abitazioni, ciascuna con il proprio cortile, in cui la strada diventa estensione della casa stessa, come fosse un’arena comune ove i più piccoli socializzano contribuendo a creare le relazioni e l’identità del luogo. In opposizione a ciò che esprimeva le Corbusier i brutalisti rivalutano la strada come luogo di mediazione tra “interno” e “esterno” dove avvengono incontri e attività di aggregazione.

I due coniugi si impegnarono nella ricostruzione di alcuni complessi residenziali, come il “Robin Hood Garden”situato a Londra o il “Garden building” della St. Hilda’s College situato ad Oxford, ove la nuova edilizia richiama le tipologie del movimento moderno, ma non è rigida ed asettica, accoglie la città vecchia e con essa si riallaccia.

Il Brutalismo con il tempo non rimase un semplice ricordo destinato a sbiadirsi, anzi divenne punto di riferimento per le correnti successive. Continuò a svilupparsi in inghilterra con James Stirling, in Olanda con Jo Van Der Boek, Jaap Bakema e Aldo Van Eyek e infine raggiunse il Giappone ammaliando l’animo di Kenzo Tange.

di Giuditta Mercuri

Credits:  Immagini da www.wikipedia.org, www.iconeye.com, 2.bp.blogspot.com

Bibliografia: K. FRAMPTON, Storia dell’architettura moderna, Zanichelli, Bologna, nuova edizione 2022.
J.M. MONTANER, Dopo il movimento moderno, Laterza, Roma-Bari 1996.I

La storia del Louvre

Il museo ha vissuto diverse vite: nasce come una fortezza medievale utile a sorvegliare le minacce inglesi, ma quando la città di Parigi iniziò a crescere il Louvre venne inglobato dalle mura diventando una fortezza reale.

Per disgrazia francese la capitale viene assediata dai guerriglieri inglesi suscitando nei cittadini buio e terrore. Tanto è vero che il re decise di cambiare residenza deponendo le sue fortune nei castelli della Loira. Solo con Francesco I il Louvre tornerà ad essere a scopo abitativo.

Sarà proprio Francesco I ad attuare  un primo intervento di rottura culturale e simbolica: abbattere il maschio (grande torre solita dei castelli medievali con altezza superiore alle altre) per costruire una corte.

Sotto la volontà di Caterina de Medici verrà realizzato il Palazzo delle Tuileries, a poca distanza dal Louvre, a cura dell’architetto Philibert Delorme. Solo qualche anno dopo, nel 1572, inizierà il complicato processo di unificazione dei due edifici sotto richiesta di Enrico IV.

Quest’ultimo fece costruire sulla piccola galleria ad un piano preesistente quella che viene chiamata anche oggi la “galleria del re”, completò la parte medievale fino alle rive della Senna e fece erigere il padiglione di Flora al quale verrà aggiunta una lunga ala di quasi 500 m nota come “Grand Gallerie”.

Ogni suo successore poi sarà ossessionato dal completare il delicato disegno del museo.

In facciata rimase il problema di unire la parte antica a quella appena edificata, trovando comunque un senso di continuità: verrà risolta dall’architetto Jacques Lemercier con un grande padiglione sormontato da una cupola, modello che avrà un impatto fortissimo nell’architettura francese.

La zona residenziale verrà ampliata con la ristrutturazione al piano terreno, quello della piccola galleria, che permetterà la costruzione di appartamenti estivi. In seguito l’architetto Louis Le Vau eliminerà completamente tutti i ricordi che l’edificio aveva con il medioevo e allargò la corte rendendola quadrata “cour carrée”.

Con Luigi XIV Parigi migliorerà parecchio a livello architettonico, il Louvre raddoppierà l’ala sud e si scatenerà una “guerra” tra architetti per la ricostruzione dell’ala est, non che l’ingresso principale. Il progetto vincitore sarà proprio quello che vedrà partecipi grandi personalità, come a star significare che un unico artista non basterebbe a realizzare un’architettura degna.

Ma a Luigi XIV il Louvre va stretto, come tutta Parigi in realtà, per questo sposterà la propria residenza a Versailles lasciando il museo incompleto. Gli appartamenti Imperiali vengono occupati dalle Accademie che ribattezzano il vecchio scopo residenziale inserendo laboratori, teatrini, botteghe ed altri locali…

Inizieranno ad essere esposti i dipinti dei pittori più prestigiosi così diventando il museo più importante di arte contemporanea d’Europa. Infatti inizialmente il Louvre era riservato ai soli nobili ma dopo la Rivoluzione francese, per decreto, viene concesso l’ingresso a qualsiasi cittadino volesse ammirare la collezione reale.

Il Louvre con Napoleone

Ma le metamorfosi del Louvre non si fermano qui: Napoleone Bonaparte voleva sposarsi per la seconda volta con Maria Luisa alla Cattedrale di Notre Dame, ma la chiesa cattolica non era d’accordo ad un secondo matrimonio, per questo l’imperatore trasformerà il Salon Carrè del Louvre in una cappella con la corte nuziale che attraversava la Grand Gallerie.

Con la caduta dell’Imperatore Napoleone il Louvre dovrà pagare caro: i vincitori di tutta Europa esigono la restituzione immediata delle opere depredate dalle armate francesi. Questo avvenimento porterà alla chiusura del museo.

Durante la Prima e la Seconda Guerra Mondiale il Louvre viene risparmiato dai bombardamenti ma non dalla desolazione e dalla malinconia. Per risolvere questa mestizia il ministro della cultura chiede a Ieoh Ming Pei di costruire qualcosa che potesse ridare vita al museo, così nascono le famose piramidi di vetro all’ingresso.

Inizialmente questo progetto si opponeva alla mentalità tradizionalista dei difensori dei monumenti storici, pensavano fosse troppo contrastante con gli edifici circostanti. Per porre fine al dibattito si organizzò una simulazione con corde tese che riprendevano la forma piramidale convincendo così non solo la giuria ma anche il sindaco di Parigi.

Il Louvre si erge come un monumento vivente alla grandezza dell’arte e della cultura umana. Oltre alla straordinaria ricchezza delle sue collezioni, il museo incarna anche un’architettura che parla del passato e del presente di Parigi. La maestosa facciata del palazzo e le sue imponenti sale offrono un quadro impressionante della storia dell’arte, mentre gli interventi architettonici contemporanei, come la celebre piramide di vetro, rappresentano una fusione armoniosa tra tradizione e modernità.

di Angelica Simoncini

Credits:  Immagini da www.parismusees.paris.fr/en, www.wikipedia.com